如何从音乐影像志的角度拍一部《柿山仔》？| 中外音乐影像志影片分析课程作业（节选）

抓住转瞬即逝的“声音”

曹曼萱 / 2025级音乐表演（大提琴）专业博士研究生在读：

“让影片本身成为一次音乐或者声音事件”

我认为，音乐影像志的目标，是记录、凝视并解读一个文化空间中所有与文化传承相关的声音层，探寻其背后的生活智慧与集体记忆。一部音乐影像志，其最终目的不是制作一部关于音乐的纪录片，而是让影片本身成为一次音乐或声音事件。它通过系统的听觉探索，揭示声响背后的文化密码与生命哲学。正如《柿山仔》以光影触摸非遗的手法，我希望用耳朵与眼睛共同完成一次对文化脉络的探索。

以影片《柿山仔》为灵感，从音乐角度拍摄一部音乐影像志，我的想法是：让音乐从背景变为考古对象，作为文化勘探的 “耳朵”，摒弃音乐作为情绪配乐的传统角色，转而构建一套系统性的声景记录与研究框架。

为实现此目标，我设计三层由表及里的声音结构，并匹配不同的影像语言：

第一层：营造环境声景。收录原生声音：风声、方言、脚步声等，建立时空真实感。使用固定长镜头与大景深，引导观众专注聆听环境的复杂层次。

第二层：音乐实践记录。例如记录民歌的演唱场合、传承方式、乐器制作等，探究音乐如何被使用。采用观察式纪录片手法，以手持跟随拍摄，动态捕捉音乐与日常生活的交融，展现其社会功能。

第三层：声音的隐喻表达。运用表现主义影像，如超现实画面、意象叠加，让声音与画面形成 “对话” 或 “对抗”，引发观众深层思考。

除此之外，影片需要确立一个核心叙事视角 —— 以声音为线索展开探索，并贯穿全片。

比如，以寻找一首仅存于老人记忆中的古老柿山歌谣为叙事线索。寻访过程本身，即是对文化传承断层的一次勘探，记录不同世代对同一文化的态度与情感联结。

或以追踪一件乐器的旅程为线索，完整跟踪一件当地特有乐器的生命周期 —— 从制作、演奏到被改造或闲置。乐器的命运，成为传统文化当代处境的精准隐喻。

李君邻 / 2025级中国少数民族音乐方向硕士研究生:

“作为‘幕后英雄’的乐手们和舞狮音乐却鲜少有人聚焦”

舞狮作为一种具有视觉冲击力的传统艺术形式，大多数拍摄者都会将镜头和叙事主题聚焦于舞狮队的演员（原影片便是如此），而作为“幕后英雄”的乐手们和舞狮音乐，却鲜少有人关注。作为音乐影像志的拍摄，可围绕以下三个议题展开：一是澳门民间音乐的传承，舞狮音乐作为结义堂社群的“文化纽带”，如何在代际间传递；二是仪式音乐的功能，作为民间信俗的承载体，舞狮中的音乐如何划分仪式的“神圣/世俗”空间；三是地域音乐的特色，柿山仔舞狮音乐与广东珠三角地区的舞狮音乐有何异同，以体现澳门在地缘上的文化交融性。

哪吒诞舞狮仪式分为堂内筹备、请神起狮、街头巡游、安神回堂四个核心阶段，拍摄需根据各阶段的音乐特点，调整音画侧重点，以音乐为线索，进行分阶段聚焦。全片的音乐术语（如曲牌名）以字幕形式贯穿始终。

（篇幅有限，仅展现该作业其中两个阶段的设计）

1. 堂内筹备阶段

拍摄内容：乐手调试乐器、演练曲牌，舞狮队与乐手的口令磨合。

拍摄角度：俯拍乐手围坐的全景，捕捉鼓、锣、钹的摆放位置，以及乐手之间的眼神交流和语言互动，体现乐队中默契配合的社群性。

特写镜头：鼓手的手腕发力动作、鼓槌敲击鼓面的震动、锣钹碰撞的瞬间；同步录制鼓皮震动的低频音效、锣钹的高频泛音，突出乐器的音色质感。

中景镜头：舞狮队员跟着音乐节奏摆动狮头，记录“乐随狮动，狮随乐走”的声音与动作配合，例如狮头的点头、摆尾与鼓点的轻重如何对应。

收音重点：捕捉乐器调试的细微声响（如鼓面的试敲、锣的校音），以及乐手和舞狮队队员之间的对话，展现音乐在仪式前的准备情况。

2. 街头巡游阶段

拍摄内容：音乐节奏随巡游场景变化，乐手与街头观众的互动（如观众的掌声、欢呼声融入音乐）。

拍摄角度：稳定器跟拍：从舞狮队侧后方出发，同步记录乐手的行进演奏、狮队的步伐，以及街头观众的反应，体现音乐的“公共性”。

仰拍镜头：拍摄狮头在音乐节奏中跳跃的动作，在音乐达到高潮时突出视觉冲击力。

空镜搭配：拍摄澳门街头的骑楼、招牌，将音乐置于柿山仔的地域空间中，例如：音乐声穿过狭窄的街巷，与市井声交织的画面。

收音重点：采用立体声录制，收录音乐在户外空间的传播效果（如声音的消散、回声）；同时捕捉观众的互动声，体现音乐与社群的双向反馈。

林闽琼 / 2025级作曲理论（音乐分析）专业硕士研究生：

“关注音乐本身，关注音乐场景”

第一，聚焦舞狮音乐，以镜头和专业收音还原音乐的本质。在乐器与演奏技艺方面仔细记录鼓手 “轻重缓急” 的击打技法（如起狮的轻敲、采青的急擂），同步收录单件乐器音色与合奏原声，体现音乐与狮舞动作的精准配合。其次记录老艺人的传统演奏手法与年轻学徒的学习过程，捕捉技艺传递中的细节，如老艺人纠正鼓点力度、学徒反复练习节奏，收录师徒间关于 “传统节奏不能改” 的对话，体现音乐技艺的传承现状。

第二，从音乐与场景出发，以澳门柿山社区的空间为载体，让音乐成为连接 “传统仪式” 与 “日常烟火” 的纽带，体现音乐的场景共生性。一方面将音乐与民俗深度绑定，全程跟拍结义堂重要民俗活动，如春节巡街、店铺采青、堂会仪式，用全景镜头展现狮舞、音乐与社区空间的互动，记录音乐如何带动仪式氛围、承载社区祈福文化。另一方面关注日常场景中音乐对生活的渗透，拍摄结义堂日常训练场景，收录音乐与社区日常的交融之声，体现音乐并非 “仪式专属”，而是融入结义堂成员的日常生活。最终落脚于：音乐不仅是技艺，更是澳门柿山结义堂的文化符号、社区认同的载体、非遗传承的声音印记。

缪悠然 / 2025级爵士打击乐专业硕士研究生：

“先听，让音乐更像是一种陪伴”

看《柿山仔》的时候，我一直在想一个问题：如果不靠剧情推动，而是让时间自己往前走，那音乐还能做什么？

这部影片给我的感觉是，它并不急着表达什么，而是让人物和环境慢慢被看见。在这样的影像里，音乐如果太主动，反而会显得多余。

如果让我从音乐角度去拍一部音乐影像志，我可能不会一开始就“写”音乐，而是先听。

我会先注意环境里的声音，比如自然的声响、人物行动时发出的声音，甚至一些看起来不重要的细节。这些声音本身已经带着节奏，只是平时我们很少认真去听。对我来说，这一步更像是在确认：这个空间本身适合什么样的声音存在。

在音乐的使用上，我会尽量避免明确的旋律。相比旋律，我更关心节奏是怎么出现的——动作的重复、停顿的时间、镜头之间的距离，这些都会影响我是否需要加入音乐，或者干脆什么都不加。

音乐如果出现，我希望它是慢慢长出来的，而不是突然“配上去”的。可能只是一个很简单的声音，或者一个持续的音色，和环境声混在一起，甚至让人分不清到底是不是音乐。这种模糊感对我来说很重要。

我觉得音乐影像志里，音乐更像是一种陪伴，而不是解释。它不需要告诉观众该怎么理解画面，只要和影像一起呼吸就够了。《柿山仔》让我意识到，尊重人物和生活本身的节奏，比任何设计出来的音乐都重要。

谭楷勋 / 2025级打击乐专业硕士研究生

“透过声音，与地方产生联系”

如果由我来拍一部音乐影像志，我会如何让音乐成为影像的“起点”，而不是附属？

对我而言，音乐不只是旋律或节奏，而是一种感知时间与空间的方式。因此，我会从环境声音出发，仔细聆听土地本身的声响——风吹过山坡的声音、脚踩泥土的声音、物件被反复使用所留下的摩擦声。这些声音既真实又脆弱，承载着记忆与劳动的痕迹。

在音乐创作上，我会刻意避免完整、饱满的配乐，而选择破碎、零散、接近呼吸的声音语汇。对我来说，这样的音乐更贴近《柿山仔》中所呈现的生活状态——缓慢、不张扬，却充满重量。音乐不是要引导情绪，而是陪伴影像一起停留。

我也希望在影像结构上，让声音先于画面出现。有时候，先听见一段声音，再慢慢看见画面，会让观众产生一种“被拉进空间”的感觉。这种声音与影像的错位，是我想保留的创作缝隙。

对我来说，这部音乐影像志不是在记录一个地方，而是在记录我如何透过声音，与这个地方产生关系。最重要的不是故事是否被说清楚，而是观众是否能在观看与聆听的过程中，感受到时间流动的重量，以及那些难以言说、却真实存在的情感。

声音中的空间、地方与社群

钟艺佳 / 2025级音乐影像志方向硕士研究生：

“将《柿山仔》改写为一部音乐影像群像志”

影片《柿山仔》主要是以影视人类学的角度书写，而改写为一部音乐影像志，意味着从以人物与事件为中心，转向以音乐实践为切入点。影视人类学通常更关注文化背景，较少关注文化中的音声；而音乐影像志应更加关注“音乐”在文化语境中如何被实践、感知，并在文化传承中凝聚起社群认同。作为一门交叉学科，音乐影像志影像文本的书写要兼具影像与音乐双重语法逻辑，既要注重音乐的文化背景，同时也要注重对音乐本身的细节描写。

《柿山仔》通过对多位结义堂成员的访谈与记录，构成了一幅由哪吒诞这一仪式勾连起的群像，体现了信仰与文化在社群中的凝聚力。如果要改写这部影片，我仍会保留其群像的叙事方式，但同时突出与仪式有关的音乐与声音，使其不再仅仅是环境音，而是将其作为组织影像的重要线索，让音声成为群像的一员。

群像的重点不仅仅是“很多人”，而是这些形色各异的人物在仪式中处于什么位置、担任什么角色，以及他们如何通过彼此的互动联结为一个共同体。因此，在拍摄和书写过程中应避免将人物简化为“采访对象”，或过于偏重某一人物，而是将音乐作为人物的连接点，体现音乐如何起到凝聚社群的作用。

在记录哪吒太子出巡时，应重点跟拍锣鼓队与舞狮演员，对其音乐行为进行细节描写，例如节奏变化、动作与节拍之间的对应关系，以及在不同空间中声音强度的变化等。镜头可以通过特写与局部描写，强调音乐作为一种身体实践与集体活动的过程。

同时，拍摄时也要注重对主要人物的跟拍与访谈，但访谈与拍摄内容应围绕个人的音乐经验展开，如他们如何学习锣鼓或舞狮、如何感知音乐的节奏变化，以及音乐对于其理解哪吒信仰与结义堂身份的意义。如果有老照片或过去的影像档案等资料，也可以穿插在其中，帮助塑造更立体的人物形象。

在整体结构上，影片不必严格遵循线性时间，而可以以声音的进入与消退为逻辑来组织段落。例如，以清晨零散的锣鼓试音开场，逐渐过渡到出巡时密集而高强度的声响，最终回归夜晚相对平静的环境音，与人物叙述共同形成一种多层次的叙事逻辑。同时，在后期影像文本的书写中，要注意尽可能客观真实地呈现人物形象、阐释文化现象，不可加入过多的主观判断。

孟麟 / 2025级音乐人类学方向硕士研究生：

“声音背后的身体、仪式、传承与社群”

我认为，音乐影像志应以“声音”为主线，不只是记录舞狮的鼓乐锣镲，更要挖掘声音背后的身体、仪式、传承与社群（我将文化分解为这四个方面）。

声音的物理发声：鼓师的鼓槌敲击鼓面，鼓皮震动的波纹；学员踩步时脚掌与地面的摩擦声；狮头内部的“呼吸声”——学员戴着狮头时的喘气声、头部转动时狮头绒毛的摩擦声，以及狮嘴里“吐舌”的布料声响。

身体训练与声音：记录“鼓师—狮队”的配合过程——鼓师通过鼓点节奏指挥狮队的“起势—探步—采青—落地”，镜头在鼓师的手部动作与狮队的步法间切换，突出“鼓点即指令，动作即回应”的过程。

仪式中的声音：从结义堂出发，狮队伴随鼓锣镲声穿行在柿山街巷，镜头捕捉街坊民众的反应、乐器搭配等细节。

传承方面：少年队与成人队的对比训练——少年鼓点的生涩与动作的僵硬，成人队鼓点的沉稳与步法的流畅，展现传承中的“声音熟练度”与“身体熟练度”同步成长；还有学员训练时的呐喊声、教练的口令等。

社群与声音：鼓点向柿山街区扩散，镜头从结义堂天台升起，俯瞰声音覆盖的范围（街巷、古庙、街坊的屋顶），展现声音如何“连接”空间；还有采青时街边路人听到鼓声的反应等。

戎婧一 / 2025级音乐人类学方向硕士研究生:

“人如何通过声音与节奏，与哪吒同行，这座城市共生”

哪吒不仅是澳门驱邪镇煞的神祇，更是社区记忆与文化认同的象征。因此，我设想采用长镜头跟拍巡游全过程，保留时间的流动感与空间的连续性。

第一部分为开篇，以柿山日常环境音与长镜头切入，展现街巷、古庙的共生场景，穿插信徒的口述，奠定信仰融入生活的基调；中间聚焦宝诞仪式音，重点呈现结义堂醒狮队的仪式角色，让声音与影像共同还原庆典的庄严与热闹。第二部分转入“记忆”维度，通过新旧出巡声音的对比、年轻与老年信徒的口述差异，展现信仰记忆的传承与变迁。第三部分为“交流”维度，以哪吒信俗文化两岸交流基地牌匾的特写镜头开篇，收录两岸信众共祭时的诵经声、宫庙参与巡游时的锣鼓共鸣，让声音成为“两岸文化纽带”的具象载体。结尾以农历五月十八成道日与其他地区哪吒诞日期的差异为切入点，收录局内人的访谈音，镜头缓缓升空，俯视拍摄柿山片区的街巷与古庙，最终定格在巡游队伍途经议事亭前地时市民与游客拍照的环境音，升华仪式主题；同时收录局内人的口述音，让观众理解哪吒信仰的多元性与生命力。

同时，笔者会对比平日与节庆时的庙宇景象：平日是香烟袅袅、寂静肃穆的，节庆则是人声鼎沸、鼓乐齐鸣的。这种反差与对比，揭示了仪式如何不同于日常，又如何在短暂的狂欢中强化了柿山的社区纽带。

笔者希望这部纪录片成为当地社区自我表达的平台。因此，我会在拍摄前与结义堂成员充分沟通，尊重其对神圣空间的界定；某些核心仪式环节，如果不宜公开，则进行留白。此外，笔者计划邀请部分居民参与后期剪辑讨论，让他们决定哪些声音、哪些画面最能代表他们的信仰与记忆，尊重局内人的想法。如此，纪录片不再是局外人的凝视，而是社区与创作者共同创造的“声音志”。