（2021年7月）《亚欧音乐研究》英文期刊 | 2021年夏季号（总7期）目录

Abstract:The opera Madame White Snake (hereafter Madame), co-commissioned by Opera Boston and Beijing Music Festival, premiered at Boston Cutler Majestic Theater in February 2010. It was the first commissioned opera by Opera Boston.Based on the story from the famous Chinese ancient myth Bai She Zhuan (in Chinese: 白蛇传), this opera’s libretto was created by a Singaporean American librettist, who has shed the story’s “traditional skin and taking on modern trappings” (Smith, 2019: 27) on purpose. When sniffing at male librettists’ discourses about female characters’ vulnerable and tragic lives in their operas, opera Madame’s initiator and librettist Cerise Lim Jacobs argues that women should seize the initiative to make their own decisions in life. The white snake, in her mind, ought to be a whole woman who is powerful and demonic, and yet, is also nurturing and caring, is capable of deep and intense love. In the first section of this article, I introduce the original legend’s background and the story outline in its operatic adaptation; I also trace back the opera’s commissioning process. After providing the background information of the story and the operatic version, then, in the second section I analyze the opera in terms of its transtextual figural gender construction in her characterization through comparative studies of the white and green snakes’ images from the sources of literary works, traditional xiqu scripts and operatic librettos. Referring to Lim’s personal growth and migrating history, as well as she and her husband co-founded charitable foundation’s missions and its recent IDEA (Inclusion, Diversity, Equity, and Access) opera grant program partnering with Opera America, I aim to examine her gender construction of the “female” roles in the opera from the perspectives of feminism, interracial marriage; and heterosexual, transsexual, and homosexual relationships.

Keywords: Opera, Chinese drama, Legends, Gender construction

Abstract:The Symphony Orchestra of India (SOI) is India's only professional symphony orchestra. In this paper, I explore the roles and meanings of the SOI. First, I situate it locally within its home city of Mumbai, positioning it within discourses of social class, status, and globally-minded aspiration. I argue that local  values and ideologies surrounding professional musicianship compromise attempts to embed orchestral musicking in the city. I then move on to place the SOI within discourses of nation building, questioning the role of the orchestra as a marker of national development. I suggest that Mumbai's transnational middle class and elite communities, as well as the SOI's multinational corporate donors, consider investment in an orchestra a part of India's wider political and economic development. I point to tensions that are created as India's local and national government resist the notion of the orchestra as a marker of modernity and instead champion Indian arts and cultures as foundational to India's nationhood. Finally, I explore the SOI’s transnational networks, looking at its role within cultural diplomacy and soft power. I show that, whilst the SOI has made significant steps in ‘reaching out’ and finding a place within transnational cultural networks, its efforts are hampered by its failure to ‘stand out’; to forge its own national identity as an Indian symphony orchestra.

Keywords:Orchestra, India, Mumbai, Soft Power, Cultural diplomacy.

Abstract :This paper focuses on the process of genre formation in the evolution of popular music of the Philippines’. From the phenomenon of the perception discrepancy of popular music genres among different stakeholders, this paper gives to attention at providing an alternative theory to explore how the Philippines’ popular music genres have been established. Applying Joe Peter’s theory of cultural hybridism, this paper specifically attempts at exploring how foreign genres have been fused with local cultures and musical components, aiming at a vocality of expressing the Philippines’ national identity, which is key in articulating Philippines’ popular music genres in their actual sense. Rather than a parodic emulation of foreign music products, genre fluidity is a unique reflection of the artistic wisdom of Philippines’ musicians in the pursuit of forming a voice of their own, a continuation of their nationalist movement in their popular music idioms.

Keywords:Cultures of the Philippines, Genre, Popular music, Localization

Abstract:In this article, the author will present some research issues as follows: Musical expressions of love for the homeland, Love among men and women, family affection, and attachment to work. The Khmer inhabiting South Vietnam practice all these expressions. In another short section, common characteristics with the music of other ethnic groups in Vietnam include similar instrumental music, scales used and rhythmic structures applied. Thereby, the author reviews categorizations undertaken in the past demonstrating that Khmer music strictly belongs to one ethnic group in the country. Also, musical instruments have been categorized in similar ways, using the Hornbostel-Sachs descriptive tools: Chordophone, Arephones, Idiophones, Membraphones, which are using a variety of scales and modes. It is also said that the inheritance and promotion of the typical values of Khmer music into social life, was a very pragmatic fact, which needs more attention. The use of the term “Folk Music” is only reflecting on a certain approach supported by cultural policies toward minorities from the 1970s to 2010.

Keywords: Khmer music, Khmer instruments, Khmer songs, Southern Vietnam.

Abstract:This article is an analysis of “Leuangtengdong”, a Hmong song melody which was recorded and transcribed by Jähnichen in 2000, while documenting a collection of Hmong songs in Laos. This new article is an effort to analyze melodic patterns of the song while considering its historical and social contexts through the personal gaze of the author with a specific background in singing and social experience. It is important to mention that the language sung in the song was unknow and that the emphasis of the analysis is on the musical shape. Finally, there is a conclusion regarding this song fitting in Jähnichen’s hypothesis on Hmong song melodies which states that most musical phrases do not repeat; all lines are different in pitch, order and length; pitch order and intervals can indicate a specific type (of song); singers do not know which type they sing, only analysis shows; and analysis cannot prove ethnic groupings. "Very interesting is the general characteristic of generating absolutely individual melodic lines in each example and in all the other recordings there was no one song with a repetition of a single melodic line. Avoiding repetitions is therefore a remarkable sign of Hmong song melodies.”(Jähnichen, 2011: 126). The given core hypothesis was the point of departure in this analytical article.