图文报道·第二日 | 第四届华语音乐影像志展映
2025年7月17日,第四届华语音乐影像志展映分别在上海音乐学院淮海路校区A楼、上海电影博物馆艺术影厅、思南文学之家三个会场同时进行。
会场一:上海音乐学院淮海路校区A楼
上午10点至下午16点35分,上海音乐学院淮海路校区A楼4-1教室分别展映了《琴韵伊犁》《木偶拾遗记》《草原上的菩喆喆》《象脚鼓·波应站》《哈帕哈巴》《以信仰之名》《何以天籁》《岁月芳华》八部影片。高贺杰、苗滟主持了本场影片展映。
《琴韵伊犁》围绕手风琴在新疆伊犁地区的流行与文化意义展开。高贺杰指出手风琴作为一种曾经在中国盛行的乐器,具有值得研究的价值,并探讨了其在不同民族(维吾尔族、锡伯族)婚礼及日常生活中的多样应用。导演回应了观众关于手风琴本土化发展与场景变化的问题,强调在伊犁地区其使用场合与曲目选择的多样性。

《木偶拾遗记》关注木偶戏的传承困境。一位观众肯定影片正视传统技艺面临的经济与文化挑战,认为应进一步探索如何激发年轻人兴趣,使木偶戏“活化”而非仅在博物馆展陈。高贺杰赞同此观点,并指出影片展现了传承者与文化馆的互动,他建议可以增加艺术性呈现以增强感染力。
《草原上的菩喆喆》记录了一个小众少数民族在青海祁连山的文化生活。高贺杰对片中传统婚礼、口头诗学等档案性镜头表示肯定,并提出期待了解导演的音乐考量。
苗滟认可《象脚鼓·波应站》的导演用手机完成拍摄的努力,同时指出影片在工艺细节(如工业漆与传统漆的交代)上可进一步补充。高贺杰认为影片完整呈现技艺流程,但还可增加民族志式追溯和学术探讨。

《哈帕哈巴》展现了哈尼古歌与日常生活的融合。苗滟认为导演突破了传统非遗记录视角,将古歌还原到生活土壤中,用镜头语言翻译文化内涵。观众也评价影片如散文般舒缓自然。高贺杰强调影片以视觉转译音乐的创新表达具有重要文化解释意义。
《以信仰之名》聚焦基督教音乐在本土化过程中的探索。苗滟肯定导演以13分钟简洁叙事展现宗教音乐融合实践的珍贵样本。宋文胜建议影片增加音乐表现与动态画面丰富性。讨论中认为影片打破传统访谈模式,为信仰与文化身份重构提供了思考。


《何以天籁》讲述古琴复刻及其文化传承。导演分享影片素材来源与制作过程的艰难。苗滟认为影片给予观众在课堂上聆听“天籁之音”的机会。观众交流了古琴、洞箫等传统乐器学习体验,并探讨影片中文化普及与传承的平衡。

《岁月芳华》通过资料影像和访谈呈现音乐家陈钢的生平与作品。导演分享影片从一小时压缩至20分钟的剪辑挑战。苗滟建议延长影片时长,完整展现人物与时代的关系。宋文胜建议补充陈钢年轻时期影像的配乐,以增强连贯性和情感表达。

上午10点至晚20点,上海音乐学院淮海路校区A楼2-1教室有三场展映。第一场展映了《民间一人》,由程俏俏主持。第二场展映了《小莫》《皮影娃》《看见贤孝》《呐喊》《龙溪丧鼓》《低唱》,由汪洋、卢凤岗主持。第三场展映了特邀影片《寻根—寻访 100 个非遗传承人》,由程俏俏主持。
在第一场展映中,卢凤岗认为《民间一人》成功之处在于找到了一个极具魅力的人物。松丁江初个性诙谐、豁达通透,被视作深谙藏族民俗文化的“民间生活宝库”和“天地之异人”。影片采用长访谈结合生活场景穿插的结构,较为完整地展现了他的一生、音乐才能和人生观,尤其是其与藏族文化及佛教思想的结合。

在第二场展映中,吴宁华讲述了《小莫》的拍摄背景。针对汪洋关于“传统音乐当代转向”的提问,吴老师阐释了片中如何展现音乐变迁:通过对比不同场景如现代改编的天琴乐队表演、原生态天琴仪式音乐、莫文华用家乡海边话民歌唱诵仪式的创新实践,立体呈现了传统音乐在个人身上的现代化融合与转化过程。

《皮影娃》将镜头聚焦于他们的日常生活,讲述他们与皮影戏之间的关系。影片放映结束后卢凤岗老师提到这部片子的去非遗化特点深入人心。
围绕《看见贤孝》《呐喊》两部影片,汪洋、卢凤岗强调纪录片创作要多思考创作者身体感知与现场的情感投入,这样才能使作品有生命体验与节奏感。在几位评委的对谈中呼吁了创作者应回归更本能的、有温度的身体感受进行拍摄。
调查人彭小峰分享了《龙溪丧鼓》的创作过程。卢凤岗老师对此提出了一些宝贵的建议,要构建起社会关系,可进一步展现鼓与棺材的空间关系、村庄声景等。汪洋对该片调查人探讨音乐构建的社会关系所做的一些尝试做了肯定,同时提出影片可在视觉叙事上进一步呈现这些关系。

《低唱》的导演袁哲阐述拍摄初期未明确主题,因为兴趣捕捉哈尼族歌者的“低唱”,剪辑时试图突出此特点。卢凤岗老师指认为导演可以进一步理清该唱法的文化语境及其与梯田空间的关联。汪洋老师则强调素材审视的重要性,肯定了袁哲在视听节奏方面展现出的天赋。

第三场展映的特邀影片《寻根——寻访 100 个非遗传承人》结束后,获得了大家一致的好评,此次影展的策展人程俏俏认为其情感厚重且学术性强,成功捕捉了哈尼族舞者董继兰的精神世界与艺术追寻。可视作精彩的“自我民族志”。影片通过董继兰在土地上极具生命力的舞蹈,诗意地传达了她在传统与当代、苦难与重生、个体天赋与传承责任间的挣扎与成长,其身体成为连接仪式、信仰、自然的通道。汪洋老师阐述了作为艺术指导与董继兰深度碰撞的过程——从处理碎片化素材、坚持特定镜头,到共同探讨舞蹈与宇宙身体的关系。卢凤岗老师特别赞赏其“为土地而舞蹈”的清晰主题与视听节奏控制。

会场二:上海电影博物馆
2025年7月17日下午13:30,第四届华语音乐影像志展映在上海电影博物馆分会场展映如期进行。本场展映由刘桂腾、刘湘晨担任主持,展映了《晓补孜莫毕》《龙溪丧鼓》《今声古调》《哈帕哈巴》《回访:中国少数民族民间传统音乐舞蹈大系(云南诸族)》五部影片。
对于《晓补孜莫毕》,刘湘晨提到作为学者的一种观察方式,“叠化”“拉黑”等手法本身存在一定内在逻辑,要谨慎使用。片中较多采用“第三人称”的拍摄视角,可多尝试借助影像的调度与设计,建立和呈现人物、事件之间的相关性。
刘湘晨认为《龙溪丧鼓》的社会背景、社会关系表达有很多,但还需强化对音乐内涵、音乐形态的整体呈现。

刘湘晨指出,《今声古调》还可以借助构图方式、运镜处理对南音完整音乐演奏情况及人物内心认知、情感坚守予以表达。与个人先前的作品相较,确实取得了长足的进步。刘桂腾也进一步指出,其个人在镜头处理等技术层面上,还存在很大的提升空间。

刘湘晨对《哈帕哈巴》给出了两点肯定:第一,导演试图通过人物在不同生活场域中状态、阶段、情景的描述,以民歌贯穿,构筑该族群的文化史、生命史、生活史、迁徙史的历史轨迹;第二,有意识的关注并呈现云南当地民歌、民间艺术、民间手工技艺、非物质文化遗产的现存样态与文化空间、语境的变迁。但问题也比较明显,即对民歌在当地民俗、生活中存在动机与实际功能的阐释比较模糊,没能在影片中看到民歌原有产生的生态环境。此外,还可以链接其生态环境、自然环境、生活方式、文化传统,增加历史厚度与文化质感。

对于影片《回访:中国少数民族民间传统音乐舞蹈大系(云南诸族)》,刘湘晨认为影片感人的力量源于影像历史与时间沉淀的深刻意义,他肯定了选题的历史价值。建议后期可考虑加入日方访谈,并指出调查设问需更科学准确。他特别强调应聚焦日方摄制组的伦理细节(采访付费、肖像权授权、要求更换服装、同吃同住等),重视影视人类学的伦理原则(尊重当地群众及文化),并建议拍摄前深入思考以提升采访效果。提出未来可探索时代变迁中词汇意涵变化对音乐的影响,或从民族音乐形态、技法、曲调变迁等角度深入挖掘。

最后,刘桂腾在总结中强调,技术很容易穷尽,但更多拍摄理念方面的深入思考和经验传递反而更加可贵。

会场三:思南文学之家
2025年7月17日,第四届华语音乐影像志展映双年展(CMEFF)特别公共单元在思南文学之家进入第二日,围绕“创新与回溯——如何寻找中国自己的声音”主题,开展了影片放映、交流讨论、公共论坛及现场展演等丰富活动。

下午13:30,由民族音乐学者、上海音乐学院教授萧梅作为此次活动的主持,开场引入今日的两部影片。在鉴赏环节,第一部影片《弦外之音——粤乐宗师吕文成》,是首部系统讲述粤乐宗师吕文成一生的纪录片。影片由拥有15年纪录片经验的刘薇担任导演,李柯锋任联合导演。影片以当代视角融合纪实探访、搬演重现与写意镜头,用散文体叙事展现吕文成各时期的创作与粤乐经典,凸显中国音乐人“薪火相传、守正创新”的精神,还呈现了其在上海、广州等地的人生足迹。
放映结束后,萧梅主持交流。中国音乐学院博士研究生分享了对影片中历史录音修复、器物演奏的感触,提及江南丝竹与广东音乐的共通性;华南师大万钟如教授特地来到上海参与活动,他从“时势造英雄”角度,分析上海的电台直播、唱片录制等环境对吕文成创作的影响。萧梅结合自身经历补充:其外公外婆为上海的广东人,曾与吕文成等音乐人往来,她还解释了纪录片与学术性民族志影片的区别——前者更注重唤起观众共鸣,后者则将观点藏于叙事中。

在第二部特邀影片《弦浪:田进勤与弦控琴》开场前,主持人萧梅邀请该影片的导演白梦薇简单介绍影片。《弦浪:田进勤与弦控琴》聚焦“中国电子乐器之父”田进勤。这位享受国务院特殊津贴的电子专家,1979年发明了中国第一架弦控式电子乐器,1980年创建首个专业化电子乐器研究所,毕生致力于传统音乐与电子创新的融合。

影片由独立艺术家白梦薇与音乐人玉刻联合执导,展现了田进勤从古筝、二胡中汲取灵感,研发“弦控琴”的历程。 田进勤出身陕西小村庄,自学物理,因买不起古筝而探索电子放大技术,其发明的“弦控琴”能还原传统乐器的滑音、揉弦等细节,甚至自创“田文”记录方言。

放映后,策展人程俏俏分享了选片原因——影片对历史资料的修复与活化,让被遗忘的先驱重获关注;观众则好奇影片未呈现的细节,白梦薇补充:田进勤记忆力惊人,90岁仍谦虚好学。
16:30,此次活动的特别环节——“公共论坛:从蚕丝到电声——中国乐器改革的声音轨迹”由萧梅主持,本环节邀请了上海音乐学院音乐工程系副教授纪冬泳(电子音乐专家)、上海江南丝竹保护发展研究所所长姚卫平(民族乐器改良研究者)参与,他们围绕“乐器改革”展开深度讨论。

纪冬泳先厘清概念:电子琴是预设音色的固定设备,而电子乐器(如田进勤的弦控琴)可创造无限音色,甚至模拟风、鸟叫等自然声。姚卫平则从力学角度分析:乐器的声音由材料、结构、制作工艺决定,“改一处细节,声音就可能大变”,他以江南丝竹为例,指出传统乐器的“音色丰富性”正是其魅力所在。 两人均认可田进勤的创新:弦控琴既保留了传统乐器的“音腔神韵”,又突破了声学限制。萧梅补充到:乐器改革需兼顾“传承”与“适应”两个方面,如从丝弦到钢丝弦的变化,既为适应音乐厅演出,也改变了演奏技法。

论坛尾声,上海音乐学院“樂龠组合”带来江南丝竹展演,成员包括音乐人类学硕士蒋艺轩(匀孔笛)、二胡博士祝云琦(40年代丝弦二胡)、琵琶本科生王冠杰(丝弦琵琶)、扬琴本科生付一涵(蝴蝶型小洋琴)。

他们先后演奏《中花六板》《欢乐歌》,所用老乐器引发关注:蒋艺轩的匀孔笛因孔位分布特殊,音律特殊,易转七调;祝云琦的丝弦二胡需用指肚触弦,音色更“糯”。

互动中,观众问及即兴演奏技巧,王冠杰坦言:“先学谱,再听老先生的处理,慢慢形成自己的风格”。萧梅强调:江南丝竹的核心是“合乐”——彼此倾听、即兴呼应,“乐社人靠旋律对话,能从演奏中听出对方的心情”。

UCLA音乐人类学教授、江南丝竹研究者李海伦提问关于背旋律的问题,老乐人全靠从小的耳濡目染,作为从小没有浸润其中的学习者来说,如何解决这一问题?蒋艺轩回应:“会提前找规律记位置,慢慢熟悉后就能脱离谱子。”

纪冬泳也好奇:“固定结构中换人会有细微变化吗?”萧梅解释:“每次不同人加入都要磨合,这正是合乐的乐趣。”观众还问及丝弦与钢丝弦的差异,组合成员分享:“丝弦需更沉稳的气息,手指触弦方式也不同,”策展人程俏俏补充:“丝弦更适合小场地,空间会影响合奏时的互相聆听。”并且邀请现场会弹琵琶的观众,尝试与乐队合作。

活动最终在热烈的讨论中结束。从粤乐宗师的传承到电子乐器的创新,从老乐器的复现到演奏技法的探索,参与者共同触摸“中国声音”的历史脉络,也展望了其未来可能。

供稿:岳微、张引弦、罗晗绮、李靖雯
图片:鄢杜玖坤、王轶凡、高苑、吴笑寒、钟楚燕、江宇、钟艺佳
编辑:王子欣、彭小峰
校审:徐欣


